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Io quando mi sono iscritto a questo forum ne avevo 25. Ora ne ho 41 (con moglie e due figlie).
E nel frattempo mi sono messo ad ascoltare ste cosette qua...
Purtroppo si invecchia...
Ciao Ema
Edited by Sciarpi - 7/7/2023, 18:01 -
.Ogni tanto ricordo di fare il login su forumfree e di tornare sul vostro forum.
E che nostalgia a pensare che quando mi sono iscritto qui avevo appena compiuto 20 anni ed invece ora sono alle porte dei 40.
Stesso pensiero fatto da me stamani... -
.Bellissima classifica Sciarpi ! Ad occhio e croce condivideremo un paio di posizioni. Mi hai incuriosito tantissimo con Rafael Anton Irisarri, che vedrò di recuperare. Un paio di coordinate?
Il consiglio che ti do è di ascoltare questo disco senza pensarci sopra troppo. Ecco, magari se hai fatto 13 alla schedina non è proprio il disco ideale...
Andiamo su, rompete gli indugi e postate anche le vostre! -
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Mannaggia a voi che mi trascinate in queste cose! In questi anni avevo già scritto un po’ di cose, quindi mi son detto, ma sì vai è facile, vai di copia/incolla e via! In realtà alla fine ho ripercorso le cose che avevo ascoltato in questi 10 (davvero tanta e tanta l’ho lasciata fuori) e in fondo è stata la cosa che più mi ha fatto compagnia. In fondo sono dieci anni di vita!
Se la decade prima era stata quella del “ascolto tutto” questa è stata sicuramente quella della maturità. Ho trovato i miei generi, sono stato al passo con le uscite, ho legato dischi a dei momenti particolari ed ho comprato tanti dischi. Insomma, è stato un bel tuffo nel passato.
Mi son dato alcune regole. All’inizio erano più stringenti, poi mi sono accorto che un punto di classifica in più o meno non avrebbe inficiato il valore del disco (e potevo starci sopra 3 mesi), quindi considerate che i primi 3 sono, per me, dei masterpiece. Un album per artista. Spesso è il suo esordio, a volte quello più rappresentativo per diversi motivi nella sua discografia, a volte è quello a cui sono più affezionato.
Chiudo dicendo che, rileggendo i nomi qua sotto, si sia chiuso un capitolo. Chi non c’è più, chi si è bruciato con l'esordio, chi ormai ha già prodotto tre o quattro album di livello e il suo l’ha detto, chi si è dovuto reinventare. Chissà cosa ci riserverà questa decade appena iniziata, sperando di poterla vivere e raccontare con gli stessi sentimenti di questa appena trascorsa.
20. David Bowie - Blackstar (2016)
Ammetto candidamente di non essere non solo un fan di Bowie, sono solo un ascoltatore “per completismo”, non ho mai finito un disco per intero, canzoni come Heroes mi scoglionano dopo 2 note, Ashes To Ashes e Let’s Dance hanno quelle sonorità di plastica tipiche degli anni ‘80 che mi fanno effetto kriptonite, non so niente delle avventure di Ziggy Stardust, Starman me la ricordo perchè era la canzone master del programma Meteore. Come tutti quelli della mia generazione, mi ricordo di Bowie in Labyrinth.
Bowie è comunque un gigante della musica, forse “il personaggio” musicale per eccellenza, passato attraverso molte epoche musicali grazie anche a tanti travestimenti, pseudonimi, soprannomi e ambiguità.
E a me questo disco tutto sommato mi piace. Ha dei picchi emotivi notevoli, Lazarus e la title track sono perle di rara bellezza compositiva. Non lucra su niente, lascia piuttosto un senso di “punto e a capo”, di ultimo giro di valzer. E’ un disco sincero, supportato anche da una band in palla, di chi ormai non ha assolutamente niente da perdere ma vuole, fino in fondo, poter lasciare e alla sua maniera, il proprio contributo. Ed è sincero il mio apprezzamento.
19. Vinicio Capossela - Marinai, Profeti e Balene (2011)
Immenso viaggio tra il fondale marino, inferi della terra, luoghi nascosti e chi più ne ha più ne metta. Il mare come metafora della vita, la vita come lotta perenne con nemici invincibili - la balena, Polifemo, Dio. Ma anche amore, resurrezione, rinascita e rivincita.
Opera titanica e spropositata, piena zeppa di citazioni letterarie e non - Moby Dick, il libro di Giobbe, l'Odissea, Dante Alighieri, Céline - certo non facile, ma va presa così, tutta d'un fiato.
18. Robert Owens - Art (2010)
Sulle scene ormai da una vita, Robert Owens viene sistematicamente chiamato "Il Maestro". E solo un maestro poteva fondere così meravigliosamente il soul e la house, dando a un sound con chiari riferimenti al passato una veste così nuova.
In quasi due ore di musica si può trovare la sensualità di Marvin Gaye, il blues, il jazz, il funky, il dubstep, l'hip hop. Una nota di merito va a Larry Heard e Atjazz, venuti a portare eleganza e luce, nonché alla straordinaria voce di Owens, protagonista assoluta in Ancestral History e in One Love.
17. Tool - Fear Inoculum (2019)
Anni fa nel forum scrissi: aspetto il nuovo disco, un tour e metto su famiglia. E andata esattamente nel senso opposto a come scrissi. Probabilmente il disco negli anni non rimarrà, ha dei picchi assoluti inavvicinabili per tanti (i primi 6 minuti di Descending), alcune cose buone, altre sono vicine allo skip. Ma è stata l’attesa del disco che più mi va di ricordare. L’uscita del singolo, il ritornare su alcuni a forum a leggere qualcosa, i primi ascolti quando la bimba dormiva. Per non parlare poi del concerto, mi sono sentito in pace. Tutte cose fuori tempo massimo e anacroniste, ma è forse questa eccezione che le ha rese speciali.
16. Barn Owl - V (2013)
E’ passato un po’ di tempo ma credo che questo disco dei Barn Owl (duo formato dai californiani Jon Porras e Evan Caminiti) sia stato una dei primi dischi che ho ascoltato di questo genere (che nuovo ovviamente non è) e che quindi merita di essere ricordato.
Forti dei loro lavori solisti precedenti a questo disco, i nostri uniscono le forze e realizzano una full immersion oscura, dilata, che passa tra il doom e l'interstellare (Voix Redux), tra distorsioni in un'atmosfera impalpabile (The Long Shadow Against the Night), affreschi schulziani (Blood Echo), fino a lidi ancestrali (Pacific Isolation) e alla meravigliosa The Opluent Decline, la lunga suite che rappresenta l’attracco definitivo.
15. Jamie XX - In Colour (2015)
Fermo con il progetto principale e dopo aver remixato di tutto, da Adele ai Radiohead, In Colour segna il debutto da solista della fondatore nonché mente pulsante degli XX, Jamie Smith.
L’album raccoglie tracce lanciati a pezzi e bocconi e rappresenta un piccolo bignami delle capacità di Jamie XX, un compendio di post dubstep soul, house, uk garage, folktronica a piene mani, una psichedelia da camera e un amore per la black music.
Impossibile non sentire all'inizio di Gosh e Hold Tonight la ruvidità di un Burial o un Kode9, l’allegria spensierata di Four Tet in Sleep Sound e SeeSaw, la travolgente coralità di Loud Places. Chiude la meravigliosa In Girl, anima soul-disco su un meraviglioso giro di basso.
14. 2814 - Rain Temple (2016)
Rain Temple è il seguito di Atarashii hi no tanjou uscito nel 2015 a firma 2814. Anche stavolta la copertina è fonte di ispirazione: se in Atarashii hi no tanjou l’osservatore principale era lo stesso che guardava la copertina, stavolta si fa un passo indietro perché si osserva una ragazza in bianco intenta a contemplare un paesaggio simile a quello del disco precedente. Una prospettiva diversa, così come sono diverse le dinamiche all'interno del disco rispetto al lavoro precedente.
La maestosa Before The Rain - degna dei miglior Saad - spiana la strada al loop in crescendo di Eyes Of The Temple, mentre l’ipnotica Lost In A Dream potrebbe stare benissimo dentro a un disco di Andy Stott. Guided By Love ricorda il post rock dei primi Sigur Ros mentre Transference unisce trip-hop e shoegaze in un tubo al neon. La vaporwave torna a fare capolino in questa bella prova di conferma nel trio conclusivo This Body, Contact e Inside The Sphere.
13. Forest Sword - Engravings (2013)
Debutto vincente su lunga distanza per Matthew Barnes con il moniker Forest Sword, dopo una serie di validi ep.
Di fatto un calderone di ritmi trip hop, post rock, voce a bassa fedeltà, cut and paste, echi soul e folk, una spruzzatina dream pop. I clangori metallici di Thor's Stone ricordano i Demdike Stare così come Onward e The Plumes, mentre tribalismi e ritmi orientali la fanno da padrone in Irby Tremor. La soul step di An Hour va a braccetto con Anneka's Battle, pezzo in stile Bath For Lashes mentre Gathering è un portentoso call and response.
La monumentale The Weight Of Gold e la chiusura con Friend, You Will Never Learn, racchiudono tutto quanto detto finora: ritmo sincopato, anima celestiale, voce low-fi e groove impressionante.
12. Nicolas Jaar - Space Is Only Noise (2011)
Altro esordio con il super botto. Nicolas sembra un sarto di lungo corso; taglia, cuce e ricama. Rivoli d'acqua, field recording di vita quotidiana, pianoforte, campionamenti illustri (Ray Charles nella sua I Got A Woman, miglior canzone del disco), archi, groove tra il trip hop e la house. Da qui in poi Jaar diventerà una star internazionale, acclamato in tutti festival internazionali e djset, rilasciando anche due dischi a nome A.A.L. dove si strizza l’occhio al dancefloor e compagnia bella.
11. Calibro 35 - Ogni Riferimento A Persone Esistenti O A Fatti Realmente Accaduti è Puramente Casuale (2012)
Che i Calibro35 siano una delle migliori band italiane su piazza non credo che sia un mistero. In 10 anni hanno prodotto 6 dischi, cambiando molto spesso forma e contenuto, pur mantenendo sempre quel groove che da sempre li contraddistingue.
Ho scelto questo disco perché (l’ultimo secondo me è anche meglio, perchè pur non avendo un’idea di fondo le canzoni “puff” hanno tutte clamorosamente un senso e suonano a meraviglia) semplicemente è con questo che li ho cnosciuti. Questo è il terzo album per la formazione milanese, uscito per la Venus, che segna uno smarcamento dai dischi precedenti con pezzi più compatti e l’aggiunta delle voci (in ben tre canzoni). Proprio questo è l’elemento che più caratterizza questo album: con Uh Ah Brrr è già l’ora dell’aperitivo, un bel Cynar con Il Pacco e poi tutti a fare una bel furto con scasso in La Banda Del B.B.Q. (Brooklyn, Bronx, Queens), misto funky e i Proppelerheads dei tempi d’oro. L’album si apre con il basso misterioso di Luca Cavina e la canzone è tutta un nascondersi nella notte fino all’inseguimento finale, si va poi a New Dehli Deli tra i Beatles e i Kula Shaker, per scivolare in un po’ di romanticismo in Buone Notizie. Ma la giornata prima o poi finisce, il Massacro All’Alba non è un’opzione ma un destino, il pezzo migliore del disco, epico, cattivo, tutto groove di basso e tastiere. Immancabili le due cover New York New York di Piero Piccioni e Passaggi Nel Tempo di Ennio Morricone.
10. Michael Kiwanuka - Love & Hate
Michael Kiwanuka è un ugandese emigrato a Londra. Impara a suonare la chitarra ma, per sua stessa ammissione, non aveva mai pensato di poter diventare o il leader di una band oppure di produrre dischi a nome proprio. Fa semplicemente il turnista. Dopo il buon esordio con Home Again, Michael stavolta ci crede fino in fondo e piazza nella magnifica opener Cold Little Heart i Pink Floyd più scintillanti e la sua morbida voce.
Ed è questa maturità artistica a spiccare appena premuto play, soprattutto nel trittico a metà disco in Falling, Place I Belong e la title track (che nel mood ricorda Inner City Blues di “che te lo dico” a fare Marvin Gaye).
Love & Hate è un viaggio sincero, un disco di ampio respiro, più impegnato del precedente. Di fatto uno dei migliori dischi di musica black-soul del decennio, per un personaggio che ancora rimane con la barra diritta (a riprova, anche il recente KIWANUKA è molto valido).
9. Demdike Stare - Elemental (2012)
Scoperti per puro caso, il duo formato da Sean Canty e Miles Whittaker, mi affascinò da subito, con i dischi precedenti Symbiosis e Tryptych. Elemental riprende i tre Ep precedenti (Chrysanthe & Violetta, Rose and Iris) con alcune canzoni in alternate version. Ed è di fatto l’epica conclusione di un percorso nato con Symbios per il duo inglese, dove dub muscolare, post industrial, ectoplasmi techno, drone, tessiture ambientali da horror-soundtrack ed esoterismo si mescolano in un suond post-nucleare. Li ho visti anche dal vivo, da solo, nella mia città e furono 2 ore e mezza spettacolari.
8. Steve Von Till - A Life Unto Itself (2015)
Il maestro dell’Idaho (voce e mente dei Neurosis) giunge al quarto disco solista, da aggiungere al non meno importate progetto Harvestman. Niente sfuriate post metal della band madre, ma un folk oscuro, voce baritonale a scandire inquietudini giornaliere sopra un pianoforte dismesso e un fingerpicking magistrale. Album minimale ma di una ricchezza timbrica meravigliosa, merito anche della viola affidata a Eyvind Kang, con Pat Schowe alle percussioni e J. Kardong alla pedal steel. Elegante come un funerale, un disco meraviglioso.
7. Hammock - Mysterium (2017)
“Quando succede qualcosa di simile, a volte il silenzio è la risposta migliore, perché non sai cosa dire quando qualcuno sta vivendo quel dolore. C’è il tempo in cui puoi giocare nell’oscurità e puoi glorificarla e romanticizzarla. E poi c’è il tempo in cui essa è presente ed è reale.”
Mysterium era inizialmente nato con tutt’altro intento ma la scomparsa nel 2016 di Clark Kern, figlio della sorella di Byrd, ha cambiato il lavoro in corsa (basta semplicemente leggere i titoli delle canzoni).
L’intento è quello di mantener fede alla promessa iniziale, affidandosi a commoventi archi nella monumentale opening Now And Over Yet, aggrappandosi ad un coro di voci (Mysterium, I Would Give My Breath Away, Dust Swirling Into Your Shape), a poche note di piano e chitarra immerse in un elettronica dilatatissima (When The Body Breaks, Nominus, Thing Of Beauty Burn). Oscurità e luce si trovano Dust Swirling Into Your Shape e l’album si snoda in un crescendo continuo, frutto di un’eccellente compattezza compositiva che trova il suo definitivo climax in Remeber Our Bewildered Son ed Elegy.
Gli Hammock ci trasportano mano per la mano nel loro lungo viaggio ed è nel finale colorato alla Sigur Ros di This Is Not Enough in cui si abbozza un sorriso per reagire alla sofferenza.
Supportato magistralmente da Francesco Donadello, Peter Katis, l’orchestratore di Amburgo Roman Vinuesa e in particolare tutto il Budapest Art Choir, il duo americano americano realizza un requiem non scontatamente funebre ma che crea una profonda empatia con chi lo ascolta, dosando saggiamente parti orchestrali, inserti ambient e cori, mai come in questo album determinati. Equilibrando saggiamente questi tre elementi riescono a creare un continuum narrativo, realizzando di fatto un’elegia profondamente sincera e sentita.
6. Eluvium - False Reading On (2016)
Seguo Matthew Cooper ormai da un po’ di tempo, credo da dopo l’uscita di Copia (2007) dopo averlo visto, per caso, dal vivo di spalla agli Explosion In The Sky. Presenza sempre discreta la sua, non un mostro di prolificità visto che gli ultimi due dischi sono equamente divisi nell’arco di 6 anni (Smiles nel 2010 e Nightmare Ending nel 2013).
A questo giro Eluvium riprende in mano la sua creatura e piazza un deciso colpo all’evoluzione del suo sound: sé Copia era il capolavoro dell’equilibrio da ambient e musica orchestrale, qua il matrimonio è tra ambient e canto sacro. Le struggenti voci liriche (Strangeworks, Regenerative Being, Movie Night Revisited, Rorschach Pavan) condotte da scie di chitarre e sintetizzatori in una forma orchestrale dai contorni estremamente sfumati, sono carezze della mano più amorevoli, la perfezione cristallizzata tra i ghiacci di Erebus – precedente collaborazione di Eluvium con Bvdub.
E anche gli interludi (Fugue State, False Readings On) o i semplici pezzi più ambient cementano ancora il leitmotiv del disco, la suddivisione di un istante, così come l’uomo in copertina, un insieme di puntini trascinati da una marea sonora.
5. James Blake - James Blake (2011)
L’esordio degli esordi..
James Blake è un ragazzetto classe 1989, nato a Londra, figlio di James Litherland - storico chitarrista dei Collosseum. Ha un ciuffo che gli cade sulla fronte, è timido e ascolta Burial. Nel 2010 si fa notare per tre Ep dal titolo The Bells Sketch, CMYK, Klavierwerke.
Ma è con il primo album vero e proprio che James Blake riesce a fare il pieno di ascolti e successo tra gli addetti ai lavori e non.
Ha avuto l'intuizione giusta James Blake. L'intuizione giusta che lo differenzia da altre nuove leve - James Woon, The Weeknd - è quella di aver aver rimesso al centro della propria musica la voce, senza ricorrere al canto di altri o di sampler sparati in loop. E nonostante gli effetti su di essa, ha molto calore e riesce a toccare le corde giuste.
Le basi sono delle piccole spruzzate di dub, di glitch, di wonky qua e là per raccogliere e fare da tappeto alla voce.
Un disco di straordinaria intensità che dà il meglio di sé nella seconda parte, con la meravigliosa cover di Feist, Limit To Your Love e la morbidezza di I Mind e To Care (Like You).
Farà meglio anche nel disco successivo, produrrà singoli, ep ed altri due dischi. Ma è troppo timido per diventare famoso ed andrà un po’ in confusione.
4. The Black Keys - Brother (2010)
Dopo quasi 10 anni di carriera, i Black Keys con questo album cambiano definitivamente il loro sound, riuscendo a compiere una metamorfosi che era rimasta in sospeso con l’album Magic Potion.
Il duo mette da parte i riff tagliati con l’accetta di Thickfreakness e Rubber Factory per far posto ad una miscela funky (Everlasting Light, Next Girl) e soul (Too Afraid To Love You, Ten Cent Pistol) sicuramente più ascoltabile (e digeribile) ai più ma non per questo di qualità inferiore. Ma non solo. Gingilli prettamente pop come Tighten Up, The Only One e Never Gonna Give You Up nei dischi precedenti non c’erano mai stati.
Ritorna il blues, con quel refrain alla She’s Alright di Muddy Waters, nella trascinante She’s Long Gone, mentre Black Mud è il solo pezzo strumentale.
E’ il disco che lancerà i Black Keys nell’iperspazio del successo. Da qui in poi non sarà niente più come prima, purtroppo.
3. Ben Frost - The Center Cannot Hold (2017)
Per mia moglie, il perché mi piaccia la musica che fa questo tizio e il perché lo ascolti da anni, rimane un grosso mistero. Ho provato a farglielo vedere dal vivo ma la prima volta si è addormentata mentre alla seconda, addirittura al ClubToClub nel 2017 (incinta) è uscita dalla sala. Se provo a spiegarglielo a voce, alla terza frase mi dici “si ma vieni al sodo”. Quindi è ufficiale, c’ho rinunciato.
Di Ben Frost mi ha sempre affascinato il risultato di essere “un gesso su una lavagna”, avete presente no? Ma By The Throat è del 2009. Sono passati un po’ di anni, nel frattempo ho ascoltato anche altre cose. Ed anche Frost non è stato fermo, diventando - già con il precedente Aurora, disco che non ho mai apprezzato fino in fondo - un “terrorista sonoro”. Al ClubToClub ho visto diversa gente tapparsi le orecchie fin dalle prime note di Threshold Of Faith. Erano le solite persone che 10 minuti prima erano nell’altra sala a vedere Arca & Jesse Kanda, quindi credo che a certi volumi fossero abituati, o perlomeno sapevano a cosa andavano incontro.
Il problema di fondo è il dove vuol andare a parare l’irrequieto Frost. A fronte di questa muscolarità sonora, fatta di scelte da ciglio ancelottiano (tra cui Steve Albini come produttore), alcuni titoli delle canzoni buttati lì a casaccio, una debordanza in tutto e per tutto, si rimane spaesati e tanto valeva tenersi l’Ep Threshold Of Faith.
Se invece ciò è virtù e non vizio, dove tutto alla fine si disperde e si inizia con il bianco finendo con il blue, districandosi tra respiratori artificiali (Threshold Of Faith), le rasoiate techno di Trauma Theory, momenti tra Apex Twin e Tim Hecker (A Single Hellfire Missile Cost $100,000, Healthcare), scenari alla Blade Runner (Eurydice’s e Meg Ryan Eyez), tra le storture marziali di Ionita o i beep intergalattici di All That You Love Will Be Eviscerated, beh allora Ben il centro non lo tiene - Things fall apart, the centre cannot hold è un verso tratto dalla poesia The Second Coming di W.B. Yeats - ma l’ha preso in pieno.
2. Rafael Anton Irisarri - The Shameless Years (2017)
L’introduzione a questo disco l’ho scritta 4 o 5 volte, non trovando mai la versione che più mi convinceva. Credevo fosse il blocco dello scrittore quando invece, alla fine, ho capito che non c’è molto da introdurre, verificando ancor di più il detto “che parlare di musica è come ballare di architettura”.
Allora mi calo in un mare di sincerità e mi limito a raccontarvi ciò che so e che ho ascoltato. Rafael Anton Irisarri, compositore americano tornato a produrre a proprio nome dopo un paio di anni spesi in collaborazioni e progetti paralleli.
Fin dalla copertina, in parte atipica, sfondo bianco con impresse in rosso il titolo dell’album e in nero le tracce, una roccia immersa in una marea grigia, mi aspettavo una noia mortale. Invece mi sono trovato davanti un sound monolitico ma che non affonda l’ascoltatore nell’oppressione, anzi lo rapisce grazie al lento fluire delle sue molteplici sfumature.
La malinconia di Indefinite Fields, avvolta in suono sgranato, confuso, che ti avvolge e ti lascia lì sospeso. Il crescendo di droni fino alla monumentale estasi finale di RH Negative o quello spigoloso Sky Burial. La struggente armonia di Bastion. La disarmante decadenza di Karma Krama e l’onda di The Faithless che, così come piano piano è arrivata, se ne torna indietro senza lasciar traccia di essa.
Se questo è il tempo di chi è senza vergogna, il compositore americano registra il disco per un’etichetta messicana, la Umor Rex e collabora nelle ultime due tracce con un Siavash Amini, un producer iraniano.
1. Tim Hecker - Virgins (2013)
In cima a tutto non poteva che esserci lui, per me. La scelta era ampia ma non facile. In una decade il canadese ha prodotto dischi straordinari come Ravedeath 1972, Virgins, Love Streams, Konoyo (io ci metto anche Dropped Piano) diventando un big della musica elettrostrumentale contemporanea.
Ho scelto Virgins. Se An Imaginary Country puntava su una tavolozza infinita per dipingere il proprio paese ideale e l’organo in The Ravedeath per andare oltre, qua si gioca tutto sulla conflittualità tra il pianoforte e un magma dronico, aspettando un segno per diradare le nuvole, vedi ad esempio Virgianl I & II e le due Live Room. Se Stigmata I riprende la magniloquenza di The Ravedeath, è Stigmate II – pur ricordando la Killshot in apertura di Ben Frost – a sciogliersi in dolcezza nel finale. Chiude il disco la potentissima Stab Variation.
Non avevo mai trovato, in ormai 15 anni che ascolto musica con orecchio e passione, un disco che rappresentasse in maniera così chiara ed evocativa uno stato d’animo. Il suo incedere wagneriano, quel pianoforte sgraziato, il perfetto incrocio tra massimalismo e minimalismo, gli archi carichi di malinconia sempre in lotta con quei droni pesanti come macigni, quei piccoli bagliori di luce sono state la colonna sonora dell’’annus horribilis che è stato il 2015.
L’ho scelto perchè è stata la soundtrack di un preciso stato emotivo, la colonna sonora per tempi incerti e dolorosi.
Edited by Sciarpi - 16/5/2020, 23:52 -
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Lemmy di sicuro non era un poser. Era per dire che, tra tutti quelli che si "addobbavano" in una certa maniera era il più sincero e vero.
Dei dischi che hai consigliato li riascolterò volentieri. Ho marcato molto l'accento su questo disco in quanto, pur non essendo un vero e proprio esordio, è stato sicuramente un disco di svolta per un certo tipo di sound. Gli altri dischi sono una conseguenza di questo. La miccia per intenderci.
Grazie a tutti per i complimenti e mi fa piacere che questa sia stata l'occasione per mettere su un po' di sano rock and fucking roll! -
.CITAZIONEDopo un anno di pausa tornano nel 2019 con altri due dischi: Fishing for Fishies (un po' sottotono rispetto alle precedenti uscite, ma era fisiologico) e Infest the Rats' Nest, in cui danno libero sfogo alla loro vena heavy e thrash metal.
Sono una bella band di squinternati! Penso che il top lo abbiano raggiunto con Nonagon Infinity e il successivo Flying Microtonal Banana. Poi hanno tirato fuori troppa roba per stargli dietro... In Infest the Rats' Nest mi sa che la band non è tutta al completo. -
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Mancava
Motörhead – Overkill
Spero la formattazione sia corretta, non mi ricordavo come si faceva! -
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Motörhead – Overkill (1979)
1. Overkill - 5:12
2. Stay Clean - 2:40
3. (I Won't) Pay Your Price - 2:56
4. I'll Be Your Sister - 2:51
5. Capricorn - 4:06
6. No Class - 2:39
7. Damage Case - 2:59 (Kilmister, Taylor, Clarke, Farren)
8. Tear Ya Down - 2:39
9. Metropolis - 3:34
10. Limb from Limb - 4:54
Io e Lemmy siamo diventati definitivamente amici una mattina di Natale del 2011, quando, a causa di un virus un influenzale, fui costretto a saltare il pranzo di Natale dai suoceri (lo so che per molti la cosa potrebbe esser stata una salvezza, ma vomitare tutta la cena della Vigilia di Natale non fu per niente una passeggiata). Babbo Natale mi portò un fantastico lettore mp3 della Creative e il collaudo fu fatto con questo disco, per poi farmi compagnia tutto il giorno.
Chi come me che, a causa di ragioni prettamente anagrafiche, si è perso qualcosa per strada e ha la necessità di creare una sorta di cronologia delle mutazioni, attribuisce ai Motörhead l’importanza di essere stato un punto di snodo tra la musica hard rock / rhythm and blues degli anni ‘70 e la scena metal inglese da una parte e la scena heavy metal americana.
In realtà si tratta solo di rock ‘n’ roll sparato a velocità supersonica. Un hard and heavy a dei decibel mai sentiti prima – soprattutto dal vivo, in studio la cosa non era replicabile per gli strumenti dell’epoca – dove il girovago Lemmy riuscì a prendere spunto qua e là – la psichedelia degli Hawkwind, il punk, l’hard rock di matrice anni ‘70, la nascente scena metal inglese – rinchiudendo il tutto in tempi dimezzati – la durata delle canzoni e in media sui 3 minuti e mezzo – ma raddoppiando la velocità d’esecuzione.
Una band in stato di grazia nella sua formazione originale, con Phil “Philty”Taylor alla batteria, Eddie “Fast” Clarke alla chitarra e poi lui, Ian “Lemmy” Kilmister al basso. Padre e fondatore della band, hombre vertical del rock, una sigaretta in mano, una bottiglia di whisky nell’altra, una voce da gargarismi con i vetri pronta a tuonare il famoso verbo born to lose, live to win. Il meno poser tra tutti i poser – guardatevi qualche video recente di lui insieme ad altre band e capirete cosa voglio dire – un carisma da vendere ma anche una gentilizza fuori dal comune per il mondo della musica, non negandosi mai ad una collaborazione e incassando anche meno del dovuto, non solo nel senso economico, hanno creato il mito Lemmy, persona da prendere tutta d’un sorso, sia nei pregi che nei – tanti – vizi.
Sta di fatto che il sound Motörhead è racchiuso nei cinque minuti della title track Overkill: Taylor alla batteria è un rullo compressore, Clarke genera riff a velocità supersonica e Lemmy imbraccia la sua mitragliatrice a forma di Rickenbacker. E’ la canzone che dura più di tutte perchè dopo la tirata micidiale dei primi tre minuti c’è il famoso overkill (On your feet you feel the beat / it goes straight to your spine) e si riparte sulle montagne russe tra la doppia cassa della batteria – quasi una novità per l’epoca – e l’assolo affilato come una lama di Clarke.
Il canovaccio non cambia né con Stay Clean né in (I Won’t) Pay Your Price mentre I’ll Be Your Sister è letteralmente un bagno di fuoco appiccato dallo straordinario assolo inziale di Lemmy – accusato di essere una canzone sessista, Lemmy rivelò che avrebbe voluto che la canzone fosse incisa da Tina Tuner (!). La successiva Capricorn – così come Metropolis – sono i due pezzi più vicino all’hard rock e alla psichedelia di una decade addietro di tutto il disco mentre è nel power trio No Class / Damage Case / Tear Ya Down che la band torna ad essere il rullo compressore d’apertura. Chiude Limb from Limb, un iniziale hard blues che alza i giri del motore fino a terminare con il solito ritmo indiavolato con cui si è aperto l’album.
Da non tralasciare anche altre due canzoni come Too Late Too Late e Like A Nightmare, uscite rispettivamente come b-side dei singoli Overkill e No Class e inserite nell’edizione del disco del 1996.
L’album fu registrato in una notte, una cosa piuttosto comune per i Motörhead visto che gli studi costavano molto e i tre non avevano un soldo. Ai Roundhouse Studios di Londra come produttore c’era Jimmy Miller, famoso per aver prodotto i miglior dischi dei Rolling Stones (Beggars Banquet, Sticky Fingers, ecc) e diverse canzoni – Damage Case, No Class, I Won’t Pay Your Price – erano già state suonate dal vivo anni prima mentre Capricorn fu partorita direttamente quella sera mentre Metropolis fu scritta da Lemmy in 5 minuti qualche giorno prima dopo aver visto l’omonimo film.
Dei primi 4 album dei Motörhead, Motörhead, Overkill, Bomber e Ace Of Spades – usciti a cavallo tra il ‘77 e il ‘80 – viene spesso preso come summa artistica l’ultimo. Personalmente vedo, tralasciando il valido ma acerbo Motörhead, Overkill come l’inizio della “storia Motörhead”. Gli altri sono il proseguimento di idee già tracciate in precedenza, che vedevano Lemmy e soci cavalcare il treno che loro stessi avevano messo in moto. Purtroppo vizi, vezzi, tour massacranti, cambi di formazioni e un rapporto con le case discografiche non proprio idilliaco non permetteranno ai Motörhead di raggiungere più questi livelli, salvo rialzare la testa con l’ultima formazione (Aftershock e Bad Magic).
Il disco non ha nessuna flessione compositiva né un vuoto e inanella una serie di canzoni imprescindibili per tutto quella che sarà la scena heavy nelle sue declinazioni in thrash e speed – vedi Metallica, i loro primi debitori – entrando di diritto nella cerchia ristretta dei capolavori della musica.
Line Up:
Phil Taylor - batteria
Eddie Clarke - chitarra
Lemmy Kilmister - basso, voce
Edited by Sciarpi - 10/5/2020, 07:00 -
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Mi fa molto piacere che le mie schede siano sempre presenti e che non diano problemi 😂 -
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Ho letto un po' di vostri commenti al restyling del forum e avete fatto un buon lavoro.
La prima volta che son entrato qua dentro credo fosse la fine del 2007 (quindi fatevi 2 conti di quanto tempo sia passato, sopratutto per chi vi critica) e non credo che l'intento del forum fosse di natura "enciclopedica", ma così, ognuno diceva la sua, poi ci sono stati gli anni d'oro dove in tanti (compreso me) scrivevano di musica, tra dischi vecchi e nuovi. Siamo addirittura arrivati a fare la compilation di musica underground italiana! Ora sarebbe una cosa impossibile solo arrivare all'idea. Ma c'era anche altro, come dimenticarsi de "Il Grande Topic del Pallone", i topic su cosa accadeva nel mondo, sull'attualità, su piccole questioni personali e così via. Per non parlare di quel think tank di caratura internazionale che era il topic "Chi ti faresti volentieri".
Fare un progetto di ampio respiro è francamente difficile e poi per chi? Per noi? Allora va bene quello che c'è. Si fa un cambio degli armadi e via, senza troppi fronzoli. Difficilmente senza questa quarantena lo avreste fatto.
Citando Sickman e MrBungleCITAZIONEOvviamente ad una persona che si affaccia oggi per la prima volta in un mondo del genere tutto ciò appare paleolitico, ma d'altronde, chi se ne frega?CITAZIONEMi ricordo benissimo una frase di Andrea (Alphadj) che dopo l'inaugurazione della nuova grafica scrisse: se arrivassimo ad avere 10-15 utenti che scrivono con una certa frequenza sarei più che soddisfatto. E io gli risposi di essere d'accordissimo.
Pensare di fare un forum che diventi un polo attrattivo da qui al futuro è pura utopia e per questo non riesco proprio a capire le critiche precedenti.
non posso che esser d'accordo.
Personalmente qua dentro ho scritto tanto e letto ancora di più. Vi ho sempre seguito, spesso non ero loggato ma ad oggi il tempo è quello che è. Se sono maturato nell'approccio alla musica, sono peggiorato nello scrivere, diventando terribilmente lento! Aimè, il mio tempo libero ora è poco (ho una figlia) quindi spesso la sera mi manca lo sprint per scrivere qualcosa e devo ottimizzare. Rischio di passare una serata su una frase. Prima non era così, di tempo ne avevo quanto volevo.
Resta il fatto che qua dentro ho imparato cose importanti e mi son sempre divertito tantissimo. Se avrò un po' di tempo (con una figlia e lavorando la quarantena è pure peggio) darò una sistemata alle schede aperte da me che ancora non avete modificato.
E magari scriverò un po' di più. -
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Oh bravi bimbi! 
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.CITAZIONE (MrBungle82 @ 6/9/2019, 21:31)I miei due spicci, una pseudo recensione:
Fear Inoculum è un tema scolastico lungo e prolisso, scritto in bella grafia e con qualche frase qui e là molto ispirata.
È una serie tv con uno sviluppo narrativo troppo lungo e ripetitivo, ma con delle mezze puntate ben girate e con scenografia molto bella.
È una scatola di lego con tanti mattoncini bellissimi e di materiale pregiatissimo, ma dai quali non si riesce a tirar fuor modelli particolarmente fighi.
Credo che questo sia il difetto principale del disco e sia anche stata la loro principale difficoltà, quella di "chiudere le canzoni".
Di motivi ne ho letti tanti, dalle lunghe jam senza Maynard, a dischi finiti buttatti anni fa, a scazzi vari personali.
E scrivo perchè ancora sto rammaricando su Descending. I primi 7 minuti sono, a mio avviso, tra testo e sezione ritmica, l'apice emozionale del disco, poi Maynard sparisce e arriva Adam che spara 3/4 riff per 8 minuti! Ne bastava uno che tenesse o alta la tensione o che alleggerisse il testo. Invece no, diamoci al rifforama! La stessa cosa c'è (anche se in parte minore) nella title track e in Invincible mentre forse in 7empest, i riff di Jones ci possono stare ma perchè è la parte vocale che ne è al servizio e non viceversa.
Spesso Adam, Danny e Justin sembrano fidanzatini al telefono, "dai smetti di suonare tu, no tu, dai prima tu". E si va avanti per minuti.
In generale questo disco non mi dispiace, nonostante sia lungo 1 ora e 26 minuti scorre bene perchè le canzoni sono si lughe ma in definitiva sono solo 5, ha i suoi bei momenti: la prima parte di Fear Inoculum, il climax di Pneuma, la cavalcata finale di Invincible, la già citata Descending e anche 7empest che ha i suoi perchè.
Oltre a quanto detto prima ha dei suoni e delle soluzione già sentiti e risentite, con un autocitazioni vicino "alla auto denuncia per plagio" come ho letto in rete. Non faccio l'elenco ma ce ne sono a iosa e il dire "serve per ricollegarsi a..." non vale altrimenti ci tocca rivalutare tante discografie da vergognarsi. La necessità di fare una canzone come Culling Voices lo capirò quando sarò grande o forse morirò prima di capirlo. Per il resto concordo con voi sul fatto dell'età, della fiammella che si spenge ecc...
Chiudo dicendo che è anche un disco secondo me pensato anche per i live, che saranno come al solito incendiari, pieno di video, luci e dove i 3 faranno faville mentre Maynard canterà il giusto per preservarsi un po'.
P.S. Salve ragazzi, vi leggo e vi voglio sempre bene.
Edited by Sciarpi - 9/9/2019, 23:11 -
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Il 29 settembre esce il nuovo di Ben Frost, The Centre Cannot Hold. E' stato anticipato dall'EP Threshold of Faith che contiene, oltre all'opening track, anche una versione di Steve Albini di All That You Love Will Be Eviscerated. 
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Dai l'album Serenity un po' tamarro è! -
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I dischi di 36 sono tutti molto validi, recuperati i successivi Hollow, Lithea e Shadow Play.
Idem anche Eluvium, il disco dello scorso anno (False Reading On) è meraviglioso.
Ti consiglio - l'ordine è casuale - un paio di cose abbastanza diverse tra loro, poi ne riparliamo se vuoi.
Richard Skelton - Landings
Fabio Orsi - Just For A Trill
AUN - Alpha Heaven
Harold Budd - Avalon Sutra
Broken Consort - Box Of Birch
Barn Owl - V
Voice From The Lake - Voice From The Lake
Hammock - Maybe They Will Sing For Us Tomorrow
Steve Roach - Dreamtime Return
Taylor Dupree - Faint
Illuha - Akari
Saffronkeira - A New LifeCITAZIONEErebus
Il secondo è un bel viaggione celestiale e in certi punti quasi spirituale, con un azzeccatissimo uso delle voci e che in certi punti è accostabile un po' a "False Readings On" di Eluvium (ovvero il disco ambient più bello degli ultimi anni).
Erebus è di qualche anno fa (2013). Loscil non si discute, Bvdub se gestito a dovere, senza che li prenda la tamarreide, sa il fatto suo.
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